Живопись Рене Магритта
Бельгийский художник Рене Магритт к психоанализу в творчестве относился негативно. На его полотнах мы видим привычные предметы, однако под новым углом. Одна из главных целей творчества, по мнению живописца, – заставить зрителей думать. Как сделать это с помощью искусства? Например, превратить картину в головоломку, оставив под обычным на первый взгляд изображением неожиданную подпись «это не он».
Сюрреализм Рене Магритта называют «парадоксальным» – простые вещи с его картин наталкивают на тревожные и пугающие мысли. Если присмотреться повнимательнее, то начинают открываться новые смыслы и тайны, бережно скрытые в его работах.
Часто на полотнах Рене Магритта можно увидеть мужчину в котелке. Кто же этот таинственный незнакомец? Существует две основных версии:
- Кто-то считает, что это – просто автопортрет художника.
- Часть критиков придерживается мнения, что так в творчестве художник показывает источник своего вдохновения, который кроется в обыденных вещах, и в незамысловатых образах.
Рене Магритт «Силуэт»
Одна из самых популярных работ художника называется «Влюбленные». Картина написана в 1928 году. На полотне сохранен необычный поцелуй – лица влюбленных укрыты тканью. К большинству картин Рене Магритт давал свои комментарии, однако эту работу решил никак не объяснять.
Картина «Влюбленные»
Поклонники творчества живописца дали немало интерпретаций. Например, предположили, что так передана любовь, которая, как известно, слепа. По другой версии – люди остаются загадками друг для друга даже в моменты близости. По третьей – на картине изображен серьезный разлад в отношениях, когда каждый в паре сосредоточен на самом себе.
Патриция Пиччинини
Скульптуры Пиччинини порой сильно отличаются друг от друга: одни скульптуры представляют собой мотоциклы неправильной формы, другие — странные шары с горячим воздухом. Но в основном она создаёт скульптуры, стоять с которыми в одной комнате очень и очень неуютно. Они даже на фотографиях выглядят жутковато.
В работе 2004-го года «Неделимый» некий гуманоид прижимается к спине нормального человеческого ребёнка. Больше всего тревожит элемент доверия и привязанности — как будто невинность ребёнка жестоко использовали ему во вред.
Конечно, работы Пиччинини критикуют. Про «Неделимого» даже говорили, что это не скульптура, а некое настоящее животное. Но нет — это просто плод её воображения, и художница продолжает создавать свои работы из стекловолокна, силикона, и волос.
«Адская фантазия» Уэйна Барлоу
Безграничной фантазией наполнены картины этого американского художника. Он работает в жанрах фэнтези и научной фантастики, оформляет обложки книг и журналов, создаёт иллюстрации.
Мне нравится11Не нравится7
Уэйн Барлоу родился в семье американских художников, которые изображали в своём творчестве естественную историю Земли. От них он научился представлять и рисовать вымерших животных, фантазировать и замечать мельчайшие детали в рассказах о прошлом нашей планеты. Он создавал образы невиданных форм жизни, изображал фантастические существа, создавал красочные иллюстрации на тему древней истории Земли.
Его творчество знакомит зрителей с инопланетными обитателями, инфернальными существами.
Ад показан художником многопланово, со своими законами и понятиями. В нём живут демоны и потерянные души, образы которых проработаны Барлоу до мелочей.
Он также создавал героев компьютерных игр, игрушек и телефильмов.
Картины из дискет: Ник Гентри
Английский художник Ник Гентри для своих картин использует не холст, а старые диски, дискеты, другие видео-носители. Его творчество относится к стрит-арту и представляет собой урбанистическое (городское) искусство.
Мне нравится11Не нравится7
Дизайнерские картины этого художника необычны выбором материала, на котором созданы. В основном это портреты молодых людей, его современников. Возникает сомнение в необходимости создавать эти портреты именно на дискетах. Почему не на бумаге (на холсте, фанере, дереве, картоне)?
Однако его картины широко представлены в художественных галереях Великобритании и США. Они высоко ценятся на рынке современного искусства.
«Кованые» картины Сергея Ковалева
Российский художник является автором собственной техники «Koval Style».
Мне нравится11Не нравится7
«Кованые» картины – это просто красивая метафора. На самом деле для работы он использует обычный набор материалов: холст, масляные краски, кисти, специальные скребки для создания рельефа. Эти рельефы, а также сочетание красок и делают его работы похожими на ковку или чеканку по металлу. Картины Сергея Ковалёва отличаются элегантностью, отточенностью форм и фигур. Они напоминают театральные декорации.
Ещё одна особенность – персонажи его произведений как бы «переходят» из одного холста на другой, что и создаёт драматургический эффект. Сюжеты его картин приводят зрителя в старый Петербург, делают возможной встречу с Незнакомкой Блока, с героями «Петербургских повестей» Гоголя, они как будто ведут по городу, показывая его достопримечательности.
Рембрандт. Реальный и поэтичный.
Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669. Национальная Лондонская галерея.
Рембрандт изображал мир таким, какой он был. Без прикрас и лакировок. Но получалось у него это очень душевно.
На полотнах Рембрандта – полумрак, из которого, подсвеченные золотым светом, выступают фигуры. Красивые в своей естественности. Именно такие герои его картины “Еврейская невеста”.
Рембрандт. Еврейская невеста. 1662. Рейксмузеум, Амстердам.
Судьба величайшего голландского живописца похожа на трамплин – из неизвестности вознестись до богатства и популярности, чтобы потом низвергнуться вниз и умереть в нищете.
Он не был понят современниками. Которые предпочитали красивые бытовые сценки с милыми, тщательно прописанными деталями. Рембрандт же писал человеческие чувства и переживания, что было совсем не модно.
Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1668. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Arthistory.ru.
Это большое чудо, что самые известные работы, такие как «Возвращения блудного сына», находятся в России, в Эрмитаже. Куда можно прийти, чтобы полюбоваться, понять, почувствовать.
О картине читайте в статье “Возвращение блудного сына” Рембрандта. Почему это шедевр?”
Скрытые «таланты» скотча
Макс Зорн, житель Амстердама, нашел креативное применение скотчу — он сделал его основным материалом для создания своих картин. Слой за слоем накладывая полосы скотча на поверхность из оргстекла и мастерски орудуя лезвием, художник в буквальном смысле вырезает лица людей, деревья, небоскребы и мосты, в точности повторяя «исходники».
Цветовой фон его работ остается неименным — только черные, коричневые и белые цвета, дополняющие и оттеняющие друг друга. В результате получаются такие себе сюжеты из комиксов или черно-белые фотографии в стиле ретро. Картины можно смело причислить к категории арт-искусства, поскольку ими часто украшаются уличные фонари, витрины и фасады домов.
Картины кровью: Виниций Кесада
Современный бразильский художник Виниций Кесада пишет картины своей кровью. Это хоть и оригинально, но несколько шокирующе. Если учесть, что некоторые люди вообще не переносят вида крови, то знания о материале, при помощи которого создаются эти полотна (кстати сказать, очень качественные в художественном отношении) на некоторых могут подействовать отталкивающе.
Мне нравится11Не нравится7
Картины Виниция Касады выполнены в разных жанрах: городской пейзаж, портрет, натюрморт, интерьеры. Но его работы немногочисленны по понятной причине.
Иногда он применяет и обычные материалы: краски, использует компьютерную графику.
Народная галерея художников Башкирии
– До вуза вы обучались живописи?
– Я рисовал с раннего детства, но в художественной школе не учился. Думаю, страсть к искусству передалась мне от мамы: она работала фармацевтом, но любила рисовать. В семье царила творческая атмосфера: отец очень много читал и меня к этому приобщил; благодаря родственникам с Западной Украины у меня всегда в наличии были карандаши, краски. Я рано начал рисовать маслом. Окончив школу, год обучался на рабфаке в Уфе, затем поступил на художественно-графический факультет педуниверситета. Педагоги у нас были хорошие, но тех, кто хочет чего-то добиться, учат «стены» и окружение. Главное – внутреннее желание, внутренний посыл. Если говорить о технических приемах, то работать акварелью меня научила Н.В. Турьянова, а масляную живопись я сам освоил. На пленэре работаю чаще акварелью, акрилом, потому что на природе, на открытом воздухе, легче акварелью писать. Она и сохнет быстрее, хотя является более сложной техникой.
Пишу я быстро, обычно в два-три сеанса, а бывает – и в один: манера письма и характер такой. Потом, как правило, начинаю немного портить – настроение улетучивается, происходит перегрузка ненужными элементами. Много времени занимает педагогическая деятельность, поэтому, конечно, работаю не каждый день. Но живопись – отдушина для меня, когда работаешь, поднимается настроение, появляется смысл жизни. Я русский рок люблю, в частности, «Калинов мост», Диму Ревякина обожаю. Пишу под музыку и, думаю, напишу работу, посвященную «Калинову мосту». У них очень образная музыка. Люблю Сашу Башлачева, нравится лиризм и романтика Юры Шевчука, хотя долго его не могу слушать.
– Получается гармонично сочетать живопись и преподавание?
– Прежде всего, я, конечно, художник, а потом уже – преподаватель. К студентам у меня подход демократичный, я ничего им не навязываю, никогда не заставляю в каком-то определенном направлении работать. Стараюсь так направить, чтобы они сами раскрывались, свой почерк искали. Главное, чтобы у них появилось желание работать. К сожалению, сейчас этого сложно добиться: урезаются часы по спецпредметам, поступает контингент менее сильный в последнее время. Более талантливые ребята стремятся в большие города, в столичные вузы. А лет 10–15 назад к нам приезжала способная молодежь из северного региона Башкирии, из Татарии, Перми.
– При ваших замечательных работах (я знаю, что их уже – около пятисот!) почему вы не являетесь членом Союза художников?
– Я состою в Творческом союзе художников России и вхожу в Международную федерацию художников, мне этого достаточно. В данном статусе чувствую себя вполне комфортно.
– У вас есть любимые работы?
– Мне нравится цикл «Венеция» – это был капельный период, когда краска свободно течет и как бы «дорабатывает» что-то сама.
– Как ваше творчество воспринимает зарубежный зритель?
Передача общего через единичное
Сотни и тысячи произведений искусства созданы благодаря творческой фантазии, но при переработке художником собственных жизненных впечатлений. Это не только его внутренние переживания и мысли.
Творцы подобны волшебникам. В руках художника обычное яблоко переносится на холст и становится сочным и нежным, при этом используются лишь обычные краски. Танцовщик умеет рассказать о любви и боли героя простыми движениями, которые доступны каждому, но только он умеет рассказывать ими истории. Обычные слова у поэтов складываются в стихи, от которых хочется смеяться или плакать.
При этом ни одно, даже самое совершенное техническое умение (рисовать, танцевать, складывать рифмы) не заставит нас любить или ненавидеть. Настоящим художником может стать только тот, кто затронет тонкие ниточки нашей души. А сделать это возможно только тогда, когда в произведениях будет раскрыта правда жизни, ее смысл. Когда идея, понятная большинству, будет выражена в отдельном объекте.
Подлинные шедевры заставляют нас удивиться, возрадоваться, ужаснуться, вызывают и другие переживания. Даже потеряв чувство первого впечатления, мы запоминаем их надолго. Узнавая что-то о другой жизни, других людях или художнике, после изучения его работ, мы занимаемся одновременно и самопознанием – узнаем и себя глубже, как личность.
Осознает ли мастер или нет, хочет он того или нет, искусство – это всегда общественное явление. Творец – представитель определенного времени, группы людей, художественный выразитель мыслей общества. Быть равнодушным к тому, что происходит вокруг, или происходило раньше, или возможно произойдет в будущем – невозможно. Образы не формируются без жизненного опыта и всегда выражаются в единичном произведении.
Данте и Вергилий в аду: Вильям Бугро, 1850
Полотно написано на сюжет знаменитой «Божественной комедии» Данте. Итальянского автора эпохи Возрождения. Бугро, один из основоположников французского романтизма, изображает экспрессиуню, яростную борьбу двух душ, которые были прокляты.
Данте и Вергилий в адуАдольф Вильям Бугро
Эта душа Джанни Скикки, который попал в ад за обмен с целью личного обогащения, и алхимик-еретик Капоккио. Анализируя картину, следует отметить гармоничное и пропорциональное строение хорошо сложенных мужских тел, в соответствии с канонами классической живописи. Один мужчина в отчаянии грызет и кусает второго. Основной мотив картины — отчаяние и ярость.
Натали Айриш
Хватает портретов и в коллекции работ Натали Айриш из Техаса, которая в каждую созданную картину вкладывает массу чувств. Ведь о каком поцелуе без любви идти может речь? Разумеется, ни о каком. А Натали творит как раз так — нанеся на губы яркую помаду, целует без устали бумагу, пока не добьется желаемого результата. И пусть на один шедевр уходит по пять-семь тюбиков «губнушки» и тысячи поцелуев — результат того стоит.
Удивляет в большей степени то, что, несмотря на столь необычную изобразительную технику, многочисленные портреты знаменитостей, среди которых найдутся и Мэрилин Монро с Элвисом Пресли, выходят «из-под губ» художницы такими, что остается только восхищаться. Впрочем, Натали владеет и другими художественными приемами, работает карандашом и кистью. И, не зацикливаясь только на физиономиях, рисует еще и пейзажи, а также лепит керамическую посуду и скульптуры.
Багровые полотна
Виниций Кесада прославился тем, что рисует свои картины кровью. Причем забор «материала» делается только из своих вен, для чего он каждые два месяца ходит в больницу. В его распоряжении оказывается 450 мл крови, поэтому количество картин в коллекции художника пока невелико. Чтобы восстановить силы, маэстро вынужден был временно приостановить свою творческую карьеру в 2016 году, но это совершенно не значит, что дело не будет продолжено.
Такое искусство стало для многих шоком. С одной стороны, нельзя не отметить профессиональное мастерство, с которым Кесада творит свои шедевры, с другой — необычный способ создания картин вызывает непроизвольное отвращение. Внутри зрителя происходит борьба, что еще больше усиливает эффект от просмотра выставки. К тому же художник признается, что использует также и мочу для получения разных оттенков красного.
Отличительные черты сюрреализма
Сюрреалисты отрицали традиционный подход к созданию произведений искусства. Они признавали главенство подсознания над сознанием и считали важнейшей ценностью свободу иррационального восприятия мира. Картины сюрреалистов легко узнать по характерным чертам направления:
- обилию фантасмагорических форм;
- абсурдному совмещению реальности и образов подсознания;
- неконтролируемому (автоматическому) созданию произведений;
- эпатажности, стремлению бросить вызов устоявшимся канонам;
- частому обращению к эротическим и магическим мотивам.
Многие авторы нередко творили под воздействием гипноза, больших доз алкоголя или наркотиков, пытаясь глубоко проникнуть в подсознание. Они шли по этому опасному пути, чтобы возвыситься духовно, освободиться от приземленных мыслей и подарить миру уникальные шедевры.
Сандро Боттичелли — Примавера
Полотно Сандро Боттичелли «Примавера», что в переводе с итальянского означает «весна», также входит в самые загадочные картины великих художников. Эта необычная картина была написана около 1480 года и считается второй его картиной по популярности, уступая «Рождению Венеры», которая будет создана несколько лет спустя. Хотя история происхождения «Примавера» достаточно туманна, считалось, что она была заказана Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, члена одной из богатых семей Флоренции, в качестве свадебного подарка для своей жены.
Вся работа сосредоточена вокруг Венеры, которая находится под слепым парящим купидоном. В крайнем левом углу Меркурий использует свой кадуцей, чтобы разогнать собирающиеся облака, в то время как Три Грации танцуют справа от него. В крайнем правом углу Зефир пользуется своим дыханием, что превратить Хлорис во Флору, вызывая рождение весны. Пышная сцена, нарисованная кистью Боттичелли, украшена 138 идентифицированными и точно изображёнными видами растений. Несмотря на то, что историки искусства смогли идентифицировать многие мифологические фигуры, встречающиеся в произведении, истинный смысл картины до сих пор остаётся большой загадкой.
Что означает понятие – самая дорогая картина
Ван Гог «Портрет доктора Гаше»
В мире немного полотен, имеющих наибольшую ценность. Одной из них является шедевр Леонардо да Винчи. Несмотря на колоссальную стоимость, полотно с легкостью бы перекупили лучшие дома планеты. Не менее ценными являются полотна Кунинга, Моне и других мастеров.
Полотно «Христос Святого Иоанна Креста» Дали – ценнейший экземпляр.
- Сам мастер работал над картиной более 2 лет.
- Шедевр переходил из рук в руки, пока его не приобрел музей Кельвингроув (Шотландия).
- В 2006 году картину хотели выкупить испанцы за 127 миллионов долларов США. Сделка не состоялась, иначе бы картина считалась самой дорогой, вышедшей из-под рук мастера.
Многие картины ценятся не только за «перо мастера», но и изображение. В частности, самое дорогое полотно авторства Ван Гога «Портрет доктора Гаше» считается почти автопортретом. Доктор был лечащим врачом гения на протяжении последних лет жизни.
- В 1990 году картину купил Рёэй Саито (японский фабрикант).
- Сумма сделки составила 82,5 млн. долларов США.
Картина «Стог сена» – ценнейшее полотно кисти Клода Моне. Мастер уделил труду немало времени и закончил его в 1891 году. Картина не входила в реестр самых дорогих, но стала лидером по стоимости работ художника.
- Изначально полотно принадлежало меценату Берте Оноре Палмер, а затем перешла по наследству сыну леди.
- В 2019 году цена картины Моне составила 110,7 млн. долларов США. Это рекорд для полотен художника.
Имя нынешнего владельца не разглашают.
Часто задаваемые вопросы
Почему именно Да Винчи считают самым гениальным и дорогим художником? За годы жизни гений изобрел множество механизмов, придумал агрегаты, опережающее свое время. Также Леонардо да Винчи является философом, химиком, астрономом – это действительно гениальный человек. К тому же его картины «старшие» по возрасту и потому оцениваются крайне дорого.
Почему профессионалы не любят «любителей»?
Мысль первая.
Представьте, профессиональный художник учился своему ремеслу много лет. Вполне может быть, что это обучение лишило его детства. В то время, как вы играли в салочки с друзьями во дворе, он просиживал штаны в художественной школе, рисовал сотни учебных натюрмортов, кормил комаров на пленэре, писал ненавистные постановки с некрасивыми натурщиками, выслушивал от педагогов укоры и замечания.
Основы рисунка, живописи, композиции ему вдалбливали годами. На это обучение он полжизни положил! А Вы? Вы что же, хотите стать художником за пару месяцев или лет? Да еще и заочно!
«Это НЕВОЗМОЖНО! Это профанация!»
Никакие логические доводы и примеры обратного не помогут профессионалу. Он предпочитает забыть, что во время обучения видел своего педагога крайне редко, что тот вряд ли что-то показывал и объяснял, а чаще просто ставил постановки и оценки. Он не учитывает, что его обучение, по большому счету, — это САМОобучение, результат практики, и этот результат он начал получать уже в первые месяцы рисования. А потом все шло по кругу.
Почему бы любителю не сократить себе этот путь, имея осознанное желание, хорошие методики обучения и выбор художников с мастер-классами?
Я знаю многих любителей, которые дадут фору бывшим студентам художественных вузов в знаниях, умениях и таланте.
Взрослому осознанному человеку вообще проще постигать любую науку, нежели чем это дается ребёнку или юноше. А если любитель не распыляется во все стороны, как это принято в учебных заведениях, а уверенно идет в одном направлении, то может очень быстро достичь высот.
Но подсознательное убеждение «Я потратил на это годы!» никогда не даст профессионалу принять этот факт.
Мысль вторая.
Кто сказал, что рисовать, писать, лепить можно только шедевры? А если нет, то и не стоит начинать? Почему творчество меряется только результатами? И почему этот результат — «достойная» (чего?) картина?
Почему не может быть результатом и поводом рисования просто хорошее настроение? Или развитие мозга? Развитие чувствования и видения? Почему результатом не может быть своя, пусть простенькая, пусть слащавенькая, пусть кривенькая, но созданная с любовью картина?
Это все «вкусовщина», это «дилетантство», «салонная живопись»!.. Сколько там еще уничижающих эпитетов есть у профессионалов?…
И этак презрительно поморщить носик..
Знаю-знаю, сама такая.
Открою вам секрет.
Профессионалу живется очень сложно. Он с трудом принимает тот факт, что живопись может быть хобби, источником наслаждения и радости, чем-то легким.
Для него творчество — это РАБОТА. Это источник денег. Это часто от слова «надо», а не «хочу».
Его так воспитывали и обучали, его к этому готовили. Его ломали об коленку критикой, когда он нес преподавателю свои выстраданные картины, его идеи высмеивали и обсуждали на выставкомах; он прожил жизнь в поисках своего стиля и места в искусстве, в метаниях между «хочу» и «востребовано», в борьбе с непризнанностью, галереями, союзами, с отсутствием денег, в конце концов.
А тут вы! Любители! Такие воздушные и восторженные. Пороха не нюхавшие.
Еще и картинки свои слащавые, бывало, продаете на раз, только рисовать начали. Где справедливость, а?
Какой реакции на свое творчество вы ждете от художника, уверенного, что успех в живописи нужно заслужить?
Мысль третья.
Большинство профессионалов заточены под делание собственной работы, а не под восприятие чужой. (Это к вопросу о том, что в концертных залах среди зрителей нет музыкантов, а если они и приходят, то только критиковать других исполнителей).
Художник смотрит на чужие картины часто не для того, чтобы получить визуальное наслаждение. Он ищет в них то, чего ему не хватает в своих, то что поможет ему продвинуться дальше и выше в собственном творчестве. Он ищет вдохновение, идеи, приемы.
Художник ищет мастерство , которого пока не достиг сам.
Он постоянно сравнивает себя и чужую картину, как бы спрашивая «я так могу?». Если ответ — «могу», то картина не будет ему интересна. Кстати, «могу» здесь может касаться чего угодно. Примитивная картинка вполне способна впечатлить профессионала, если он понимает, что он уже очень далек от такой наивности и чистоты восприятия.
Именно поэтому в музеях я часто не останавливаюсь возле работ великих художников, а зависаю возле картин совершенно неизвестных авторов…
Работы Фриды Кало
Непростая жизнь этой прославившейся на весь мир мексиканской художницы, ее переживания и страхи сохранены на полотнах. В 6 лет будущая художница тяжело перенесла полиомиелит, из-за чего осталась хромой, а через 12 лет попала в автокатострофу. Девушка в течение года была прикована к постели. Тяжелой для Фриды стала новость, что после этого трагического инцидента она не сможет иметь детей. Именно в этот период мексиканка начала писать картины в стиле сюрреализм.
Художница Фрида Кало в молодости, ч/б фотография
Волнения и страхи на полотнах Фриды Кало передаются через тревожные образы – она часто создавала автопортреты, на которых изображена в мучениях.
Одна из самых известных работ – «Две Фриды» – написана в 1939 году после развода с мужем. Слева изображена женщина в европейской одежде, которую художница носила до брака. Справа она в традиционном мексиканском платье – так художница выражает с помощью смены наряда приверженность новым идеям национализма, которые были важны для ее супруга.
Картина «Две Фриды»
Пабло Пикассо. Разный и ищущий.
Пабло Пикассо. Автопортрет. 1907. Национальная галерея Праги. Musei-mira.com.
Этот известный ловелас прославился не только частой сменой муз, но и частой сменой художественных направлений. В начале XX века он создал немало работ в “африканском стиле”, когда вместо лиц он рисовал маски экзотических племён. Потом был кубизм, а ещё абстракционизм и сюрреализм.
Пабло Пикассо. Герника. 1937. Центр искусств королевы Софии. Picasso-Pablo.ru.
Вершиной его творчества можно назвать эмоциональную «Гернику» (см. выше), посвящённую разрушенному войной городу. Символ страдания и варварства.
Именно Пикассо придумал соединять в портретах анфас и профиль, разбивать предметы на простые фигуры, собирая в удивительные формы.
Он изменил весь ландшафт изобразительного искусства, обогатив его революционными идеями. Разве мог кто-то до Пикассо так написать портрет знаменитого мецената Амбруаза Воллара?
Пабло Пикассо. Портрет Амбруаза Воллара. 1910. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва. Arts-museum.ru.
Изящная гравировка: Пол Роден и Валерия Лу
Американские художники из Питтсбурга создают изящные гравюры на дереве.
Мне нравится11Не нравится7
Художники работают вместе 8 лет. Их гравировочные работы удивляют детализацией, чего можно добиться только в результате кропотливой работы. Например, гравюра «Луна». Это фантастическое переосмысление Луны, связанное с символикой и мифологией. Так земляне ассоциируют своего внеземного соседа, смешивая реальность с фантазией.
Чаще всего темой гравюр художников становятся пейзажи, животные, насекомые.
Одна из гравюр этой пары художников поражает своим размером: 71 х 117 см. Это пейзажная панорама, которая разворачивается вниз и создаёт головокружительный эффект.
Художники работали над этой гравюрой 2 года. Они надеются, что их творчество принесёт людям удовольствие, вдохновение и новый взгляд на мир.
10 знаменитых художников
Картины, написанные в стиле примитивизма, можно увидеть в творчестве живописцев, получивших академическое образование. Но художники, оказавшие наибольшее влияние на его развитие, были самоучками.
Анри Руссо
Творчеством этого живописца восторгался Пабло Пикассо и импрессионисты. Благодаря работам Анри Руссо примитивизм получил признание как самостоятельное направление.
Он был художником-самоучкой, начавший свою карьеру с копирования картин известных мастеров. Рисунки Анри Руссо наполнены цветом, увлекают зрителя в мир пленительных фантазий.
Нико Пиросмани
Грузинский примитивист, выдающийся художник своего времени. Его картины отличаются чистотой восприятия, пронзительностью и естественными сюжетами. Излюбленная тема его картин — грузинские застолья и анималистика.
О жизни Нико Пиросмани почти ничего неизвестно. Многие факты из его биографии не подтверждены документально, либо рассказаны им самим.
Бабушка Мозес
Американская художница, одна из выдающихся представителей современного примитивизма. Ее настоящее имя — Анна Мария, но свой псевдоним получила, потому что известность приобрела в 78 лет.
Бабушка Мозес рисовала с детства, но посвятила себя семье. Анне Марии нравилось изображать пейзажи и сценки на бытовые сюжеты.
Мария Примаченко
Украинская художница, яркая представительница «наивного искусства». Ее самобытные оригинальные картины вызывали восхищение у Марка Шагала и Пабло Пикассо.
Творчество Марии Примаченко называют феноменом. Всего за год ей удалось создать свой уникальный, узнаваемый стиль.
Позже его будут называть «народным примитивом». Предпочитала писать гуашью, а на оборотной стороне картин писала тексты, раскрывающие художественный замысел.
Камиль Бомбуа
Французский художник-самоучка, писавший в разных жанрах — пейзажи, портреты, натюрморт. Но наибольшую известность ему принесли картинки на тему цирка. В своих работах Бомбуа старался передать накопленный опыт.
Его стиль сравнивают с творчеством Анри Руссо. Но картины Камиля Бомбуа отличает четкое разделение форм и внимательное отношение к деталям. Французский художник предпочитает изображать повседневные сюжеты.
Екатерина Билокур
Украинская художница-самоучка, известная представительница «наивного» искусства. Екатерина Билокур получила признание самого Пикассо. Во всех работах можно увидеть фольклорные черты и влияние народного творчества.
Екатерина Васильевна любила рисовать цветы, потому что для нее они были олицетворением счастья и красоты. Иногда художница писала портреты и пейзажи. Но, по ее признанию, они получались хуже. Картины Билокур наполнены искренностью, теплом и уютом.
Михаил Ларионов
Один из самых неординарных и спорных художников того времени, работы которого называют инфантильным примитивизмом. Начинал свой путь живописца как импрессионист. Потом его увлекло народное творчество, а затем он создал новое направление — лучизм.
Он стал основателем нескольких скандальных выставок — «Бубновый валет», «Ослиный хвост». На примитивизм Ларионова большое влияние оказало народное творчество.
Наталья Гончарова
Ее работы легко спутать с рисунками народных мастеров. Наталью Гончарову называют первой русской женщиной-авангардисткой. Она находила вдохновение во всем — импрессионизме, лубочном искусстве, футуризме.
Первым художественный гений Гончаровой разглядел Ларионов
Яркие, смелые, новаторские работы этой смелой женщины привлекали внимание многих выдающихся деятелей искусства XX века
Иван Генералич
Выдающийся представитель «наивного» искусства, основавший Хлебинскую школу живописи. Героями его картин были простые люди, занимавшиеся повседневными делами.
Главные особенности стиля Генералича — неприхотливость в изображении любого сюжета, что сделало работы хорватского художника узнаваемыми во всем мире.
Никифор Крыницкий
Картины польского самоучки ставят в один ряд с полотнами известных представителей «примитивного» искусства. Никифор Крыницкий занимался совершенствованием своего мастерства. В его ранних работах можно увидеть, как он пытался овладеть линейной перспективой, осью симметрии.
Написал множество рисунков — искусствоведы насчитывают их до 40 000, что позволяет назвать Крыницкого одним из крупнейших художников-примитивистов.
Источники
Неменская Л. А. Изобразительное искусство. Искусство в жизни человека. 6 класс / Л.А. Неменская, под ред. Б. М. Неменского. – М.: Провещение, 2019 г. – 191 с.
Детская энциклопедия для среднего и старшего возраста. Том 10: Литература и искусство / Д.Т. Благой, Л.И. Тимофеев, В.Н. Шацкая. – М.: Издательство Академии Педагогических наук РСФСР, 1961 г. – 712 с.
Справочник школьника. История мировой культуры / сост. Ф.С. Капица, Т.М. Колядич. – М.: Филолог. Об-во «Слово», Центр гуманитарных наук при факультете журналистики МГУ им. М.В. Ломоносова, ТКО «АСТ», 1996. – 207-209 с.
Энциклопедия импрессионизма и постимпрессионизма / сост. Т.Г. Петровец. – М.: Издательство «Олма-Пресс», 2001 г., — 320 с.
Энциклопедия для детей. Искусство. Том 7, часть 1 / Гл. ред. М. Аксенова. – М.: Издательство Аванта +, 1998 г. – 688 с.
Энциклопедия для детей. Искусство. Том 7, часть 2 / Гл. ред. М. Аксенова. – М.: Издательство Аванта +, 2000 г. – 656 с.
История сюрреализма
Сюрреализм появился во Франции в 1920-ые годы. Он пришел на смену нескольким направлениям, одно из которых – дадаизм. Дадисты постоянно бросали вызов обществу – придумывали арт-объекты из мусора, рисовали на заборах, создавали картины необычным способом. Например, краску на холст они наносили не кистями, а буквально бросали ее, чтобы получать яркие брызги разных цветов.
Дадаизм отвергал все принятые правила, вместо системы в творчестве появляется хаос. На смену разрушительному течению приходит сюрреализм. Хотя у двух направлений есть общие черты, но цели разные. Сюрреалист – это созидатель. Предшественниками французского сюрреализма считают также фюмизм, изощренно высмеивающий действительность, и кубизм, от которого сюрреалисты переняли необычный способ показывать трехмерные изображения.
Значение слова «сюрреализм» можно найти в литературной и художественных энциклопедиях, а также в философских словарях. Оно происходит от французского «surrealisme», что дословно переводится как «сверхреализм». Понятие введено драматургом Гийомом Аполлинером – первое упоминание встречается в одной из его работ начала 20 века.
Родоначальниками течения считаются Андре Бретон, Филипп Супо и Луи Араго. В мае 1920 вышла в свет книга «Магнитные поля», в которой можно познакомиться с одной из главных художественных идей сюрреализма – автоматизмом.
На фото Андре Бретон
Андре Массон делал необычные «автоматические» рисунки – он долго водил по листу карандашом или ручкой, пока на бумаге не начинали проступать образы, в которых можно было угадать очертания привычных предметов.
Ганс Гольбейн Младший — Послы
Загадочная картина «Послы» была написана в 1533 году, среди активной политической жизни Англии. Художественные работы принесли Гансу место в королевском дворе Тюдоров около 1535 года, а в 1536 году он закончил свой знаменитый портрет Генриха VIII. Именно в те годы Гольбейн становится придворным художником короля Генриха VIII.
Послы — ещё одна картина, богатая религиозной и политической символикой. Самой загадочной частью картины является кремовое «пятно», которое находится в центре нижней части полотна. На первый взгляд это кажется ошибкой, но если присмотреться под острым углом, это необычное «пятно» становится полностью сформированным человеческим черепом. Анаморфное искусство как техника уже была известна в те годы, но не была широко распространена. Многие историки искусства изучали эту картину Гольбейна, и большинство из них пришли к выводу, что этот череп служит memento mori (помни о смерти), как постоянное напоминание о том, что все мы сталкиваемся с хрупкостью нашего человеческого бытия и должны помнить, что конец нашего жизненного пути может наступить в любое время.
Реактивное искусство
Таринан фон Анхальт, проживающая во Флориде, не захотела воспользоваться ни одой из существующих техник рисования и нашла свой способ для самовыражения. Вернее, у истоков новаторства стоял ее супруг, австрийский принц Юрген фон Анхальт. Он придумал стиль «Jet Art», что в переводе означает «реактивное искусство». После его смерти дело подхватила уже супруга.
В чем же смысл задумки? В качестве «кисти» используется сила турбореактивного самолетного двигателя. Подхватываемая горячими потоками воздуха, краска самопроизвольно расплескивается на холст, создавая так называемый рисунок-импровизацию. Повторить его невозможно, поэтому каждая картина в своем роде уникальная.
Чтобы сталь обладателем подобной живописи, нужно быть готовым выложить из кармана немаленькую сумму. В среднем работы художницы стоят 50 тыс. долларов. А чтобы создать очередной шедевр, ей приходится облачаться в специальный термокостюм. Затем часами стоять под соплами двигателя, противостоя силе ветра и поднимая тяжелые ведра с краской.
