Боди-арт иллюзии
www.ignant.de
Рисованием не теле в течение многих веков занимались буквально все. Даже древние египтяне и майя пробовали в этом свои силы. Однако боди-арт иллюзии поднимают эту древнюю практику на совершенно новый уровень. Как следует из названия, боди-арт иллюзия подразумевает использование человеческого тела в качестве холста, но на холсте этом создаётся нечто, способное обмануть наблюдателя. Иллюзии на теле могут варьироваться от людей, раскрашенных как животные или машины, до образов дыр или ран, зияющих в теле.
www.telegraph.co.uk
Наиболее ярким представителем этого вида искусства считается художник из Японии Хикару Чо который известен своими необычными, «мультяшными» иллюзиями.
www.lostateminor.com www.telegraph.co.uk www.huffpost.com www.lostateminor.com
Игорь Грабарь
В разговоре о позднем русском импрессионизме нельзя не обратиться к творчеству великого деятеля искусства Игоря Эммануиловича Грабаря, перенявшему многие техники французских живописцев второй половины XIX века благодаря своим многочисленным поездкам в Европу. Используя приемы классических импрессионистов, на своих картинах Грабарь изображает абсолютно русские пейзажные мотивы и бытовые сюжеты. Пока Моне рисует цветущие сады Живерни, а Дега – прекрасных балерин, Грабарь изображает теми же пастельными цветами суровую русскую зиму и деревенскую жизнь. Больше всего Грабарь любил изображать на своих полотнах иней и посвятил ему целую коллекцию произведений, состоящую из более ста маленьких разноцветных набросков, созданных в разное время суток и при разной погоде. Сложность работы над такими рисунками состояла в том, что краска застывала на морозе, поэтому работать приходилось быстро. Но именно это и позволяло художнику воссоздать «тот самый момент» и передать свое впечатление от него, что и является главной идеей классического импрессионизма. Часто стиль живописи Игоря Эммануиловича называют научным импрессионизмом, потому как он придавал большое значение свету и воздуху на полотнах и создал множество исследований о передачи цвета. Более того, именно ему мы обязаны хронологическим расположением картин в Третьяковской галерее, директором которой он был в 1920-1925 годах.
Березовая аллея, 1940
Зимний пейзаж, 1954
Иней, 1905
Груши на синей скатерти, 1915
Уголок усадьбы (Луч солнца), 1901
Лечебница Сен-Реми, прорыв в творчестве и самоубийство: «Живопись — это единственное, что связывает прошлое и настоящее » (1889-1890)
«Я не могу точно описать, что чувствую. Иногда это приступы тревожности без причины или ощущение пустоты и усталости в разуме» — в таком состоянии Винсент приехал в лечебницу в Сен-Реми. Здесь он познакомился с тяжело больными, вопли которых часто разносились по коридорам здания. Зверинец — так художник назвал свой новый дом.
Но странно: Ван Гог даже воспрянул духом! Он увидел, что есть состояния, гораздо хуже его собственного, понял, что должен и может справиться со своим недугом, чтобы вернуться в мир и творить. Природа располагала к живописи, да и лечащий врач оказался славным малым — Винсент испытывал к нему тёплые чувства и даже нарисовал несколько портретов.
Со временем ему было разрешено прогуливаться по окрестностям монастыря. Ван Гог писал много и в своём узнаваемом стиле: импрессионисты отвергнуты, академические уроки забыты. Особенно ему нравились кипарисы: он писал деревья тёмными густыми красками и вытягивал их через весь холст к небу.
Кипарисы и две женщины, 1889
Он писал матери: «И вот причина, почему в моих нынешних работах можно наблюдать гармонию: живопись — это нечто само по себе. В прошлом году я где-то прочёл, что написать книгу или создать картину — это то же, что и вырастить ребенка… Живопись — это единственное, что связывает прошлое и настоящее для меня».
С наступлением осени и холодов состояние ухудшилось. Винсент упорно продолжал работать и корил себя за то, что сидит на шее у Тео, оплачивающего его пребывание в больнице. Накануне Рождества у художника вновь случились приступы, однако не такие сильные, как первые. После одной из вспышек Винсент в порыве написал картину «Звездная ночь», любуясь пейзажем из окна.
«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889
Неожиданно в одном из европейских журналов появилась большая статья художественного критика Альбера Орье, где он восхищался картинами Ван Гога, называя их «странными, насыщенными, горячечными творениями» и воспевая «его глубокую, почти детскую искренность». Винсент был удивлён, думая, что не заслуживает таких похвал. Неужели его труд наконец-то признали и оценили?
В душе Винсента неспокойно. Волнами накатывали приступы, он бредил и буйствовал, а в моменты облегчения ничего не помнил. Картины «Прогулка заключенных» и «На пороге вечности» отражают его внутренние переживания. Почему он ходит по кругу в темноте? Есть ли выход? Что ждёт дальше? Он писал Тео: «Ты видишь, я пытаюсь быть добродушным, но моя жизнь подорвана, мой шаг сбивается». Психическое расстройство приобрело затяжной и неконтролируемый характер.
27 июля 1890 года Винсент, как обычно, отправился на прогулку. Он долго бродил под палящим солнцем, дождался наступления ночи и выстрелил из пистолета себе в живот. Щелчок. Зачем мучаться дальше? Но убить себя не получилось. Художник прожил ещё два дня: много курил, не желал общаться с полицией и рассуждал о жизни с Тео, который приехал к брату первым же поездом. Тридцатисемилетний Винсент Ван Гог умер от потери крови на рассвете 29 июля 1890 года.
Йоханнес Вермеер — Девушка с жемчужной серьгой
Необычные картины художников мира всегда являлись объектом изучения историков и искусствоведов. Девушка с жемчужной серьгой — картина, от которой невозможно оторвать глаз, с таким соблазнительным и запоминающимся взглядом. Это произведение возвышенной красоты, которое пленит нас своим мерцанием.
Загадка этой картины заключается в приятно расплывчатом выражении лица главной героини, которое не может раскрыть, что чувствует девушка на картине. Счастлива ли она? Грустно ли ей? Почему она смотрит с такой тоской? Взгляд девушки настолько интенсивный, что заставляет нас задуматься, не встречали ли мы её когда-нибудь в жизни.
Фамильярность, с которой она смотрит на нас, а на самом деле, как она смотрит на художника Йоханнеса Вермеера, говорит о том, что эта девушка была не просто натурщицей. Наверняка их связывало нечто большее.
Многие задавались вопросом об отношениях, связывающих девушку с художником, предполагая, что она либо дочь художника, либо любовница. Но правда заключается в том, что мы никогда уже не узнаем, кто такая девушка с жемчужной серьгой и существовала ли она за пределами холста. Сам Вермеер — достаточно призрачная фигура в истории искусства, мы очень мало знаем о нём, не говоря уже о его картинах. Эта изысканная безымянная девушка навсегда останется одной из неразгаданных тайн искусства живописи в мире.
Иероним Босх. Загадочный и таинственный.
Жак ле Бук. Портрет Иеронима Босха. 1550.
Полулюди-полумутанты, громадные птицы и рыбы, невиданные растения и толпы обнаженных грешников… Всё это перемешано и сплетено в многофигурные композиции.
Иероним Босх очень узнаваем. И самая известная его работа – триптих «Сад земных наслаждений».
Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Фрагмент. 1505-1510. Музей Прадо, Москва.
Нет другого такого художника, который использовал бы столь много деталей для выражения идей. Каких идей? На этот счёт нет единого мнения. Босху посвящали диссертации и книги, искали толкования его персонажей, но к какому-то одному мнению так и не пришли.
У “Сада земных наслаждений” правая створка посвящена Аду. Здесь мастер ставил своей целью напугать и крестьянина, и образованного современника гнетущими видениями, ожидающими после смерти. Что ж… Босху это удалось. Даже нам чуток не по себе…
Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Правая створка триптиха “Ад”. 1505-1510. Музей Прадо, Мадрид.
Но Босх эволюционировал в течение своего творческого пути. И к концу жизни многофигурные, масштабные работы сменились очень близким приближением к героям. Так что они еле влезают “в кадр”. Такова работа “Несение креста”.
Иероним Босх. Несение креста. 1515-1516. Музей изящных искусств, Гент, Бельгия. Wga.hu.
Вне зависимости от того, рассматривает Босх своих героев издалека или вблизи, его посыл один. Показать людские пороки. И достучаться до нас. Помочь нам спасти наши души.
Византийское искусство
Говоря о культуре Средневековья, нельзя не сказать хотя бы пары слов о живописи в Византии в Средние века. Это было единственное место, где оставались верны старым добрым традициям эллинистического искусства. Византийская культура ухитрялась гармонично соединять зрелищность и спиритуализм («дух превыше тела»), который пришел к ней с Востока. Под влиянием Византии впоследствии формировались и культуры многих других стран – в частности, России.
Ведущей идеей в живописи в Византии в Средние века была идея о мире как о зеркале. Это «зеркало», по представлениям древних, должно было отражать духовный мир человека с помощью особых символов – данными символами и являлись картины
Очень большое внимание уделялось свету и цвету. На полотнах, как правило, в полный рост изображались человеческие фигуры – в центре Иисус Христос или Богоматерь, различные святые, за ними и рядом – остальное их окружение
Если необходимо было показать отрицательных героев (того же Иуду), то их писали в профиль. Особенностью изображения персонажей на картинах была их схематичность вкупе со значительностью. Они словно «приобрели вес», но при этом стали плоскостными. Перспективы на картинах византийских художников также обнаружиться нельзя.
Зато византийцы очень трепетно следовали одному из правил средневековой живописи – все фигуры, которые присутствовали на их полотнах, для большей наглядности изображены отнюдь не в реальных размерах и с нарушением пропорций: то с очень крупной головой и огромными глазами, то с удлиненной шеей и вытянутым туловищем, то с отсутствием конечностей и так далее. Характерно, что с натуры художники не писали. Среди преобладающих сюжетов в византийской живописи можно выделить распятую на кресте фигуру – символ страданий, фигуру женщины с раскинутыми руками – символ матери, фигуру с нимбом – символ святости, фигуру ангела с крыльями – символ чистоты и непорочности.
«Сцена на рынке»
В XVI веке, придя на смену религиозным сюжетам, в жанровую живописи Нидерланд пришла еда — на столе, на рынке, на кухне. Питер Артсен, вошедший в историю мировой живописи как один из основоположников этого жанра, стал бытописателем повседневной жизни простолюдинов, крестьян, слуг, торговцев. Из картины в картину зритель попадает то в «Мясную лавку» (1551) или на «Обильную кухню» (1570), где столы ломятся от огромных окороков и рыбин, разделанных туш, коровьих голов и колбас, монументальных сырных голов и пирамид из овощей и фруктов; то на «Крестьянский праздник» (1951), где танцуют «Яичный танец» (1552), полный скрытых символов и смыслов; то в «Блинную» (1960) или к «Кухарке» (1559), осанкой, статью и взглядом похожую на императрицу и нанизывающую на вертел туши с видом величественным и грозным.
Рынок, со всеми его персонажами — продавщицей с овощами, торговцем дичью, мясником — отдельная тема Артсена, позволяющая бесконечное количество раз обыгрывать любимые сюжеты и сцены. Во всех его лавках и рынках всевозможная снедь занимает большую часть пространства и «играет» главную партию, в то время как человеческие персонажи отходят на второй план.
Звездная ночь — Ван Гог
Принт по мотивам данного изображения вы могли видеть везде: на обложках школьных тетрадей и носках, на фотообоях и футболках. Из-за популярности, название и автора холста знают многие.
Автор написал свой шедевр, будучи в не очень благоприятном психическом состоянии. Он изобразил выдуманную деревню, освещенную предрассветным солнцем, которое он видел из окна своего дома.
Картину относят к периоду пост-импрессионизма, но зачастую в обывательской среде направление определяют как просто импрессионизм из-за ярких, характерных для него черт: динамичности накладывания мазков, которая сопровождается изобилием ярких красок.
Портрет госпожи Лизы дель Джокондо / Леонардо да Винчи (1503-1505)
Пожалуй, самой таинственной картиной из всех написанных когда-либо является Мона Лиза. Вот уже несколько столетий она не дает покоя искусствоведам и историкам, порождая все более дикие и интригующие идеи ее создания.
Кто же эта женщина с загадочной улыбкой и без бровей? Традиционно принято считать, что это супруга торговца Франческо Джокондо. Но есть еще несколько теорий, которые имеют право на существование. Например, что Мона Лиза — автопортрет самого Леонардо. Также есть вероятность, что эта картина написана да Винчи для себя, а настоящее полотно было обнаружено в Айзерлуте 100 лет назад. Эта Джоконда более подходит под описание картины современниками Леонардо.
А совсем недавно ученые предположили, что загадочная улыбка девушки на полотне связана с тем, что у нее не было зубов. Кстати, рентген показал, что брови у нее были, просто реставрации их значительно повредили.
Книжные картины Майка Стилки
Американский художник из Лос-Анджелеса Майк Стилки создаёт свои картины на книгах. Нет, он не иллюстратор и не оформитель. Просто берёт старые книги, складывает определённым образом (в основном большими стопками) и рисует на этом пространстве, образовавшемся из корешков книг. Фантазия современных художников просто поражает! Трудно понять, что побуждает человека отказаться от бумаги или холста и заменить их книгами. Это поиски каких-то новых смыслов или просто желание выделиться, сделать не так, как у всех?
Мне нравится11Не нравится7
Иногда его картины располагаются на обложках развёрнутых книг.
О своём творчестве художник говорит так: «Мне кажется, что мои работы – как одно бесконечное стихотворение. Начиная картину, я иногда не знаю, как ее закончу. Я прислушиваюсь к своим чувствам, и они ведут меня путем, который порой оказывается неожиданным даже для меня». Специального художественного образования он не имеет.
«Крик»
Творчество появившегося на свет в 1863 году норвежца Эдварда Мунка наполнено мотивами одиночества и предсмертной тоски, удивительным образом сочетающимися с поразительным стремлением к жизни. Работы художника, вошедшего в число первых приверженцев экспрессионизма, неоднократно становились предметом ожесточенного обсуждения и осуждения критиков и коллег. Вместе с насыщенной личной жизнью, изобилующей стрессами из-за проблем в любовных отношениях, это привело в результате Мунка в психиатрическую клинику.
Возможно, очередной приступ маниакально-депрессивного расстройства, от которого страдал автор, и нашел отражение в самом известном его произведении — картине «Крик». Это полотно, по признаниям ряда ценителей изобразительного искусства, вблизи оставляет тягостное впечатление непреодолимой безысходности.
Согласно ходящим вокруг этой работы легендам, все люди, так или иначе контактировавшие с картиной, плохо кончили. Владельцы якобы разорялись и умирали. Два сотрудника музея погибли (один покончил с собой, а другой попал под машину) после того, как уронили шедевр Мунка. Также какой-то человек, державший в руках это произведение искусства, заживо сгорел всего через день.
Конструктивизм (лат. constructivus — конструктивный)
Этот стиль относится к авангардизму. Впервые он возник в СССР, когда после революции шел непрерывный поиск новых форм. Конструктивисты фактически отказались от живописи ради нее самой и провозгласили производственное искусство, приносящее практическую пользу народу. Так авангардистские рисунки перешли на спецодежду, спортивную форму, ткани, фарфор и иные вещи.
Среди русских художников яркими представителями конструктивизма являются А. Родченко, В. Степанова, Л. Попова, а также И. Чашник, С. Делоне, В. Ермилов и другие.
Примеры картин известных русских художников в стиле конструктивизма
Эскизы спортивных костюмов В. Степановой.
Фарфоровая чашка, созданная по эскизам И. Чашника.
Работа В. Ермилова «Дизайн комнаты отдыха в Харьковском Дворце пионеров и октябрят». Около 1934 г.
№11 Жан-Батист Камиль Коро (1796-1875)
Жан-Батист Коро, один из величайших пейзажистов романтического стиля, славится незабываемым живописным изображением природы. Его особо тонкий подход к расстоянию, свету и форме зависел скорее от тона, чем от рисовки и цвета, придавая законченной композиции атмосферу бесконечного романа. Менее стеснённые живописной теорией, работы Корота, тем не менее, находятся среди самых популярных пейзажей мира. Являясь постоянным участником Парижского салона с 1827 года и членом Барбизонской школы во главе с Теодором Руссо (1812-1867), он оказал огромное влияние на других художников пленэристов, таких как Шарль-Франсуа Доубиньи (1817-1878), Камиль Писсарро (1830-1903) и Альфред Сислей (1839-1899). Он также был необычайно щедрым человеком, который потратил большую часть своих денег на нуждающихся художников.
Знаменитые пейзажи Жан-Батиста Коро:
— «Мост в Нарни» (1826), масло, холст, Лувр
— «Вилле-д’Аврей» (прибл.1867), холст, масло, Бруклинский художественный музей, Нью-Йорк
— «Сельский пейзаж» (1875), холст, масло, Музей Тулуз-Лотрека, Альби, Франция
Смерть скупца: Иероним Босх, 1490
Показывая жестокие мучения умирающего, один из великих художников Босх осуждает скупость — один из самых страшных смертных грехов. Своим полотном мастер пытается донести до зрителя идею о том, что скупой человек, умирая, не будет знать покоя и покаяния, одолеваемый мыслями о своем богатстве.
Смерть скупцаИероним Босх
Вероятно, произведение было написано для украшения одной из створок алтаря в католическом храме. Об этом говорит своеобразная композиция картины, ориентированная по диагонали.
Смерть человека, запертого в маленькой комнате и постоянно тревожащегося за свое богатство, не вызывает сочувствия; скорее, образ скупого вызывает отвращение и горячее осуждение.
Венера с зеркалом
Полотно написано Диего Веласкесом во время путешествия в Италию. Это было сделано тайно, так как в Испании в те времена изображать обнаженную фигуру было категорически запрещено.
С произведением связано много неприятных историй. Первым владельцем был купец из Испании, который после приобретения шедевра внезапно разорился. Сначала торговля стала идти хуже, а потом произошли более серьезные беды─ товары захватили пираты, корабли затонули. Купец начал продавать свое имущество, чтобы возместить убытки и сбыл картину. «Венеру с зеркалом» приобрел другой человек, который тоже занимался торговлей. Практически сразу его склады сгорели от удара молнии. Он тоже продал полотно.
Третий владелец через три дня был зарезан в своем собственном доме. После, долгое время никто не хотел покупать «Венеру с зеркалом». Картина переходила из одного музея в другой, пока одна сумасшедшая женщина по имени Мэри Ричардсон не совершила акт вандализма и не порезала ее мясным тесаком. Полотно было отреставрировано и вернулось в Лондонскую Национальную галерею, где находится по сегодняшний день.
Знаменитые русские портретисты
В России так же было много талантливых художников, которые не только копировали стиль зарубежных мастеров, но и создавали свой собственный. Они подарили миру много известных портретов.
Карл Брюллов
Современники называли его «вторым Рафаэлем». Его полотно «Последний день Помпеи» было признано шедевром 19 века. Брюллов прославился, благодаря красивым портретам высшей знати, в том числе, изображений Екатерины Второй. Кроме того, на его картинах можно увидеть мифологические сюжеты.
Иван Крамской
Художник-передвижник и автор одной из самых загадочных картин «Незнакомки». Специалисты до сих пор спорят, кто изображен на полотне. Но Крамского интересовала не только портретная живопись, но и изображение батальных сцен. Позднее он стал художественным критиком и отмечал, что живописцы слишком мало внимания уделяют внимания социальным проблемам России в своем творчестве.
Михаил Врубель
Один из самых талантливых художников с трагической судьбой. Его работы сравнивали с ночными сновидениями — такие же таинственные и неуловимые. У Врубеля была удивительная особенность — эйдетизм. Это особый вид зрительной памяти, когда человек не просто представляет себе образ, а видит его словно на фотографии.
Валентин Серов
Люди, далекие от изобразительного искусства, знают его по картине «Девочка с персиками». Его называли мастером портрета. Живописец был академиком Императорской Академии Художеств.
Валентин Серов был деятельным человеком, принимавшем активное участие в жизни деятелей искусства. Состоял в совете Третьяковской галереи, рисовал иллюстрации к журналу, позднее присоединился к художникам-передвижникам.
Константин Маковский
Многие называли его предвестником импрессионизма в России. Некоторые полагали, что он в своих картинах изображает идеалы передвижничества. Но несмотря на противоречивые отзывы о своем творчестве, Маковский был самым высокооплачиваемым художником своего времени. А на Всемирной выставке Париже за свою работу получил золотую медаль.
Илья Ефимович Репин
Не только широко известный портретист, но и талантливый педагог. Он преподавал в Императорской Академии Художеств. Является основоположником русского реализма. Своим примером Репин доказал, что благодаря таланту и упорному труду можно добиться больших успехов в жизни.
За отличную учебу в Академии был награжден поездкой за границей, где смог почерпнуть вдохновение для своего творчества. Его портреты отличаются тонким психологизмом, умением передать всю глубину эмоций человека.
В России было много талантливых портретистов, которые стали известны далеко за пределами Родины. К тому же многие их них вели активную общественную деятельность и освещали в своем творчестве социальные проблемы России.
Питер Пауль Рубенс
Рубенс – фламандский живописец, коллекционер, дипломат. Стал одним из главных представителей искусства барокко. В портретном искусстве талант мастера раскрылся в полной мере. Для него всегда были очень важны жестикуляция, взгляд, поворот головы, поза модели.
Изображая представительниц прекрасного пола, Рубенс как бы наслаждался их чувственностью, женственностью, пышностью тел.
Художник обладал очень большой трудоспособностью: он мог создавать картины с утра до вечера. Работая, Рубенс очень любил беседовать с учениками и посетителями.
Известные портреты: «Портрет маркизы Бригитты Спинолы Дориа», «Портрет камеристки инфанты Изабеллы», «Портрет Елены Фоурмен с двумя детьми».
Анаморфоз
Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.
На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.
А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.
blog.thomasjquinn.com blog.thomasjquinn.com www.rebloggy.com www.rebloggy.com www.josephegan.co.uk www.josephegan.co.uk
Основные идеи сюрреализма
На формирование и развитие этого течения серьезное значение оказал психоанализ Зигмунда Фрейда. Для понимания сюрреализма лучше сперва познакомиться с анализом сновидений.
Картина Сальвадора Дали «Искушение святого Антония»
Выделяют два направления. Первое – это новый процесс создания произведений искусства, своеобразный эксперимент. Второе – отражение на полотнах оторванных от реальности картин, которые созданы подсознанием. Законы, привычные в академической живописи, не нарушаются – например, художники также передают игру света и тени, однако не боятся экспериментировать, создавая фантастические абстракции.
Ограниченной реальности противопоставляют мир внутренний, который не знает рамок. Художники сюрреалисты пробуют необычные сочетания форм и цветовых решений. Новый подход переносит зрителей в мир, живущий по собственным законам, – зыбкий, словно сон или размытое видение. Представители сюрреализма в живописи 20 века хоть и работали в одном направлении, но создавали совершенно непохожие работы – авторство многих картин можно угадать с легкостью.
Портреты из солдатиков: Джо Блэк
Огромные портреты (иногда размером в человеческий рост) британский художник, представитель поп-арта, создаёт из тысяч мелких деталей: солдатиков, значков, болтов, шурупов, частей игрушек, деталей конструктора Лего, шахматных фигур и т.д. Вручную раскрашивает их в нужные цвета, и получается художественное полотно типа мозаичного.
Мне нравится11Не нравится7
На портретах Джо Блэка – известные или исторические личности: Барак Обама, принцесса Диана, Мао Цзэдун, Маргарет Тэтчер, Сальвадор Дали, Мэрилин Монро и даже Сталин. Удивительно, но черты каждого их них переданы очень точно, персонажи его работ узнаваемы.
«Ночная терраса кафе»
Как и в случае со «Старым рыбаком», бывает, что за внешней простотой изображенного художником на холсте позднее обнаруживают нечто сокрытое, недоступное при первом взгляде. Так случилось и с полотном «Ночная терраса кафе», в сентябре 1888 года созданным Винсентом Ван Гогом, необычные картины которого до сих пор переписывают гуашью и маслом желающие постигнуть авторские изобразительные приемы.
Сам нидерландский художник, работавший преимущественно в стилистике постимпрессионизма и прославившийся при жизни не столько картинами, сколько неоднозначными поступками (один из которых, предположительно, и привел к его смерти), не терпел обыденности. И в рассматриваемом творении Ван Гог тоже сумел в нехитрой, как кажется зрителю, композиции избежать банальности.
«Ночную террасу кафе», в которой первоначально искусствоведы усматривали только влияние полотна «Авеню де Клиши вечером» француза Луи Анкетена, конечно, отличает удивительная техника написания. Ведь при создании картины, изображающей ночь, Ван Гог не использовал ни грамма черной краски. Но примечательна она не этим.
Позднее, изучая композицию, исследователи заметили в ней отсылки к знаменитому полотну Леонардо да Винчи «Тайная вечеря». На сокрытый смысл, по мнению экспертов, указывает как странная туника официанта в кафе, стоящего на фоне образующих крест перекрытий оконной рамы, так и число посетителей, в которых уже нетрудно усмотреть 12 последователей религиозного учения Христа.
Франсиско Гойя «Собака», 1819 г.–1823 г.
«Собака» — одна из так называемых «Мрачных картин» Франсиско Гойи. Эти картины были созданы в период с 1819 г.–1823 г. Они представляют собой фрески, написанные в технике al secco, на стенах своего дома, который Гойя приобрел в феврале 1819 года. Этот дом еще называют «Дом Глухого », так как бывшей владелец, вероятно, страдал глухотой. Гойя провел свои последние годы в этом доме, буквально сходя с ума.
Картина «Собака» одна из самых необычных и загадочных работ из этой серии. Это произведение, скорее всего, незавершённое, но оно действительно сильное по атмосфере. В этой картине не ясно, где находится собака, куда она смотрит, чего она боится. Зрителю может показаться, что собака словно тонет в темной субстанции, ее взгляд обращен на пустоту сверху, на огромное тусклое пространство картины, которое кажется, тоже ничего не значит, но эта пустота может напоминать апокалипсис, будто мира уже нет.
